An audiovisual creator reviews legal compliance materials while working in a professional production studio.
By Daniel Castillejos, Entertainment Attorney and Clearance Expert
Daniel Castillejos is an experienced entertainment attorney specializing in international clearance and copyright law with credits on numerous film and television productions. With expertise spanning multiple jurisdictions and a deep understanding of global media law, Daniel helps creators navigate the complex legal landscape of content creation. View IMDb Profile
As an audiovisual creator, protecting your project from legal issues is just as important as its artistic quality. This guide will help you understand the fundamental aspects of the clearance process (legal authorization) that you need to consider before exhibiting your work.
What is clearance and why is it important?
«Clearance» is the process through which you obtain all necessary legal authorizations to include any material or element in your audiovisual production. This process protects you from potential lawsuits for copyright infringement, invasion of privacy, defamation, or unauthorized use of trademarks.
Real-World Consequences of Clearance Oversights
The film industry has witnessed numerous costly clearance challenges. In David Fincher’s thriller «Seven,» photographer Jorge Antonio Sandoval sued the producers for alleged copyright infringement when ten of his photographs appeared in the film. Though the production team argued the use was insignificant and lawful, the case demonstrates how even seemingly minor visual elements can lead to legal disputes that could have been avoided with proper clearance procedures.
More recently, Netflix faced serious legal challenges with their series «Baby Reindeer.» By including a disclaimer stating the show was based on a true story without proper clearance procedures, they inadvertently jeopardized the safety of the real-life stalker portrayed in the show, exposing the person to public identification and harassment. This situation led to legal threats and demonstrated how clearance issues can extend beyond financial consequences to actual safety concerns.
Key aspects to consider:
1. Copyright
Any literary material that isn’t your original work requires a copyright report and corresponding authorization. This includes adapted scripts, stories, novels, or any protected work. If you acquire a finished work (such as purchasing the rights to an existing film), you also need to verify the rights of the complete work.
2. Agreements with creators
You need to have written contracts with all people who creatively contribute to your project: screenwriters, composers, designers, etc. Even quotes from other works require written authorization.
3. Biographical material
If your story is based on real events, you must determine whether the information comes from primary sources (direct interviews, court records) or secondary sources (books or other protected works). The use of secondary sources may require additional authorizations.
4. Appearance of real people
Any recognizable person in your production must sign a release form (authorization document). If minors appear, legally binding consent from their guardians is needed. In the case of deceased persons, you must obtain permissions from their legal representatives.
5. Character names
In works of fiction, character names should be fictional to avoid coincidences with real people who might feel defamed. There are limited exceptions that must be properly documented.
6. Brands and products
If you show recognizable businesses, brands, identifiable products, or distinctive properties, you need to obtain written authorizations from their owners. There are exceptions for properties that are not easily recognizable or when their appearance is incidental.
7. Content of releases
All authorization documents must grant you the right to edit, modify, add to, or remove the provided material. For people, they must also include the right to fictionalize their representation.
8. Rights for all media
Your contracts and assignments must grant you the right to distribute your work across all possible media and markets (streaming, DVD, TV, etc.), except for specifically agreed exclusions.
9. Music licenses
You need synchronization and performance licenses for all music in your production. This includes both original compositions and previously recorded music, unless it’s in the public domain.
10. Clips from other films
If you include fragments from other films, you must obtain permissions from both the clip owner and all people involved in it (actors, composers, etc.).
11. Title verification
A «title report» helps you avoid conflicts with identical or similar titles previously used. If there’s a risk of confusion, consider changing the title of your production.
12. Unsolicited received material
If you or someone on your team received material similar to your current project, you must document it to avoid future plagiarism claims.
13. Defamation and privacy
Your production must not contain material that constitutes defamation, invasion of privacy, or violation of any person’s or entity’s image rights.
14. Use of artificial intelligence
The use of AI tools requires special attention, particularly when working with streaming platforms or when you need to register a work as completely original:
Additional permissions: You must obtain specific authorizations to use images of people, voices, or performances that will be processed or modified by AI systems.
Pre-existing works: If you will subject other creators’ works to modification through AI, you need explicit permissions for this type of processing.
Originality: Verify the originality requirements demanded by platforms or intellectual property registries, as some may restrict or limit AI-generated content.
Confidentiality: Keep in mind that some AI systems may store the data you provide them. Review their privacy policies, especially when working with confidential material or under non-disclosure agreements.
Disclosure: In certain contexts, it may be necessary to disclose which parts of your work were created or modified using AI tools.
15. Final review
Before any public exhibition, conduct a final review to ensure you have followed all clearance procedures.
Important reminder:
It’s always better to prevent than to regret. Consult with an attorney specializing in entertainment law if you have doubts about any aspect of the clearance process. The time and money invested in this phase will save you costly legal problems in the future.
This guide is a starting point. Legal requirements may vary depending on the country and type of production, so always verify the regulations applicable to your specific case.
Expert Assistance Available
In case of any doubt, we will be happy to assist in Clearance & Copyright as experts in the field with international clearances and alliances in different countries. For any questions, please contact our expert Daniel Castillejos at daniel@clearancecopyright.com
What clearance challenges have you encountered in your own productions? Have you ever discovered a potential legal issue after filming was complete? Share your experiences in the comments below—your story might help fellow creators avoid similar pitfalls.
El artículo 87 de la LFDA constituía históricamente un bastión para la defensa del derecho civil a la propia imagen bajo el concepto general de «retrato». Cualquier persona, sin importar su profesión o estatus, gozaba de la facultad de impedir la publicación o comercialización de su retrato sin su consentimiento expreso, encontrando en la vía administrativa de la LFDA un recurso ágil frente a abusos comerciales.
La reforma publicada en mayo de 2026 redefine por completo esta disposición al sustituir el término general de «retrato» por el concepto técnico de «imagen y voz», y circunscribir de forma expresa esta protección a las personas que ostenten la calidad de «artistas intérpretes o ejecutantes».
La Exclusión de la Población General y la Vía Civil Ordinaria
Esta modificación restrictiva altera la naturaleza protectora de la ley en perjuicio de los ciudadanos comunes. Al limitar el supuesto del artículo 87 al ámbito estrictamente artístico e interpretativo, la población general queda desprovista de las acciones de infracción en materia de comercio contenidas en la Ley Federal de Derechos de Autor, así como del derecho a la indemnización del artículo 216 bis del mismo ordenamiento.
Para aquellos individuos ajenos al gremio artístico cuya imagen o voz sea clonada o explotada comercialmente —incluso a través de herramientas de inteligencia artificial—, la LFDA deja de ser la vía idónea para establecer una reclamación. Estos sujetos deberán reconducir sus reclamos hacia la vía jurisdiccional civil ordinaria, ejercitando la acción de reparación del daño moral contemplada en el artículo 1916 del Código Civil Federal, o bien, invocando las leyes locales especializadas, tales como la Ley de Responsabilidad Civil para la Protección del Derecho a la Vida Privada, el Honor y la Propia Imagen en la Ciudad de México.
Esta exclusión no es un asunto menor; implica la pérdida de acceso al robusto régimen de daños punitivos y reparaciones cuantificables establecido en el artículo 216 Bis de la LFDA. Bajo dicho artículo, el afectado del sector artístico puede reclamar una indemnización que en ningún caso será inferior al 40% del valor de venta de los servicios o productos infractores. En contraste, en el juicio de daño moral civil, la valoración del daño queda sujeta a la discrecionalidad del juzgador y a un estándar de prueba considerablemente más alto respecto a la afectación del decoro, la reputación y los sentimientos de la víctima.
La Paradoja de la Protección de Personajes
Un aspecto que genera profunda incertidumbre jurídica en el nuevo artículo 87 es la extensión de la protección a «sus personajes». El texto normativo concede al artista el derecho de autorizar o prohibir la publicación y uso de su imagen y voz asociadas a los personajes que interprete.
Esta disposición me parece que colisiona de frente con el sistema de Reservas de Derechos al Uso Exclusivo regulado en la misma LFDA, donde la titularidad de un personaje ficticio o de caracterización humana suele pertenecer a un productor o a una empresa, y no necesariamente al actor que le da vida física o vocal.
Por ejemplo, consideremos un personaje icónico cuya reserva de derechos pertenece a una corporación mediática, pero que ha sido caracterizado históricamente por un actor determinado. Si la ley exige el consentimiento expreso del artista intérprete para explotar la imagen de dicho personaje porque incorpora sus rasgos físicos o su timbre vocal, se abre la puerta a un bloqueo recíproco de derechos.
El titular de la reserva no puede explotar comercialmente el personaje si este evoca la fisonomía del actor original, y el actor no puede explotar su caracterización de manera independiente al carecer de la titularidad de la reserva sobre el personaje. La reforma debió acotar esta protección exclusivamente a aquellos personajes de los cuales el propio artista intérprete posea la titularidad de los derechos correspondientes.
La Ruptura del Régimen del Artículo 122: La Vigencia Fraccionada de la Imagen
La reforma introduce una profunda confusión en materia de vigencias al sujetar la duración de la protección de la imagen de los artistas intérpretes a los mismos plazos reconocidos para sus interpretaciones o ejecuciones. Anteriormente, la protección post-mortem de la imagen tenía un término uniforme de 50 años para cualquier persona tras su fallecimiento. Ahora, al asimilarse a los derechos conexos del artículo 122, dicho plazo se eleva a 75 años, pero su cómputo queda fragmentado de acuerdo con la naturaleza de las interpretaciones del artista :
Para determinar el inicio de este plazo de 75 años, el artículo 122 establece tres condiciones temporales diferenciadas :
A partir de la fijación de la interpretación o ejecución en un fonograma (dirigido principalmente a grabaciones de audio en estudios de grabación).
A partir de la primera interpretación o ejecución de obras no grabadas (típicamente representaciones escénicas en vivo que no quedan registradas en soporte material).
A partir de la primera transmisión a través de la radio, televisión o cualquier otro medio (lo cual engloba las transmisiones en plataformas digitales y redes de internet).
Esta equiparación sistemática genera una distorsión teórica. La imagen de una persona es un atributo indivisible de la personalidad y no debería tener una vigencia condicionada por la dispersión temporal de su inclusión en interpretaciones o ejecuciones.
Bajo las reglas actuales, si un actor participa en una producción cinematográfica a los 20 años y en otra a los 70 años, la protección de su imagen vinculada a la primer producción fenecerá décadas antes que la vinculada a la última. En lugar de un plazo de protección post-mortem unificado y de fácil determinación para los herederos, la explotación legítima de la imagen de un artista fallecido requerirá de un complejo rastreo cronológico de cada una de sus fijaciones o transmisiones históricas.
El Nuevo Ecosistema de los Intérpretes: Artículos 116 y 118
La reforma del artículo 116 de la LFDA dota de una merecida certeza jurídica a figuras del entorno de la comunicación que anteriormente carecían de una definición expresa dentro de los derechos conexos. La redacción previa limitaba la protección a los artistas que interpretaran obras literarias, artísticas o expresiones del folclor, dejando en la incertidumbre a los profesionales de la voz comercial y el doblaje.
Con la reforma, el término «artista intérprete o ejecutante» designa formalmente al actor, narrador, declamador, locutor, locutor comercial, actor de doblaje, cantante, músico, bailarín o cualquier otra persona que interprete o ejecute una obra.
Esta ampliación sistemática tiene un doble efecto práctico:
Sujeción al Registro Público: Los contratos de interpretación, locución, doblaje o ejecución son ahora expresamente inscribibles ante el Registro Público del Derecho de Autor bajo el artículo 163, fracción IX, lo que facilita enormemente la defensa de los profesionales.
Reconocimiento de Actividades sin Texto Previo: Al mantenerse el texto «aunque no haya un texto o sistema de notación previo que norme su desarrollo», la protección de creadores de contenido digital, podcasters e influencers, cuyas improvisaciones de voz e imagen entran plenamente en el ámbito de protección de la ley.
Por su parte, el artículo 118, fracción VII, dota a los artistas del derecho exclusivo de autorizar o prohibir la suplantación de sus interpretaciones por inteligencia artificial o tecnologías similares que generen clones o simulen su voz de manera identificable. No obstante, abre la puerta a usos de excepción por parodia, sátira e imitación creativa, que a mi parecer deberán interpretarse o referir su alcance a los casos de excepción y limitación que contempla ya la ley en su artículo 151, en los que I. No se persiga un beneficio económico directo; II. Se trate de breves fragmentos utilizados en informaciones sobre sucesos de actualidad; III. Sea con fines de enseñanza o investigación científica, o IV. Se trate de los casos previstos en los artículos 147, 148 y 149 de la presente Ley.
La Mezcolanza Sistemática en los Contratos Publicitarios: Artículos 73, 74 y 75
Uno de los puntos más críticos de la reforma se encuentra en la modificación del régimen de contratación publicitaria regulado en el Capítulo VII del Título III de la LFDA. Originalmente, el artículo 73 establecía que los contratos publicitarios tenían como única finalidad la explotación de obras literarias o artísticas. La sistemática de la ley separaba nítidamente la transmisión de derechos patrimoniales de los autores (Título III) del régimen de las interpretaciones y ejecuciones de los artistas (Título V), de los Derechos Conexos.
La reforma de 2026 fractura esta coherencia metodológica al introducir la protección de las interpretaciones, ejecuciones, fonogramas y videogramas dentro del capítulo diseñado exclusivamente para obras. El artículo 75 ahora exige que en el caso de publicidad en medios digitales, impresos o mixtos, el contrato precise de manera obligatoria el soporte o soportes materiales en los que se reproducirá no solo la obra, sino también el fonograma, el videograma, la interpretación o la ejecución del artista.
La Problemática Operativa para la Promoción de Contenidos Audiovisuales
Esta mezcla de conceptos jurídicos acarrea necesidades operativos y cambio en contratos para los productores de contenidos audiovisuales (películas, series de televisión, documentales). Tradicionalmente, la contratación de un actor para una serie de televisión conllevaba la autorización implícita para realizar la promoción y publicidad de la obra a través de trailers, posters o clips digitales.
Al integrarse la protección de las interpretaciones artísticas dentro de los requisitos contractuales de publicidad del artículo 75, los productores se ven obligados a detallar de manera individualizada en los contratos de producción :
Los soportes materiales de los anuncios.
El tiraje exacto de los materiales impresos (por ejemplo, vallas publicitarias o pósters de cine).
Los canales y plataformas digitales de difusión (redes sociales, sitios web, etc.).
La geolocalización y delimitación territorial exacta de las campañas.
La temporalidad de dicha promoción.
El Riesgo Sistémico del Artículo 74 y los Plazos de Renovación
La gravedad de esta mezcla teórica se agudiza al analizar la drástica reforma al artículo 74. El plazo legal máximo de difusión de un anuncio publicitario es de tres años a un año. Ouch! Esto si es una reforma en perjuicio de un derecho ya concedido. Transcurrido dicho año desde la primera comunicación pública, los autores y ahora también los titulares de derechos conexos (es decir, los actores, locutores y músicos cuyas interpretaciones aparezcan en la publicidad) deberán autorizar expresamente cualquier uso subsecuente.
Además, se conserva el esquema de retribuciones fraccionadas semestrales establecido en el artículo 74: una vez concluidos los primeros 6 meses, la comunicación del anuncio por un periodo adicional —incluso por una fracción de este— deberá retribuirse con una cantidad al menos igual a la contratada originalmente, y al año se actualizará indexada a la inflación y valores de mercado.
Esto significa que si una productora de cine o televisión mantiene en su canal de YouTube o en su plataforma de streaming un trailer promocional de una película después de un año de su estreno, las asociaciones de intérpretes o los propios actores individuales podrían exigir un pago adicional equivalente al monto original del contrato publicitario por cada periodo adicional de 6 meses, argumentando que su interpretación y su imagen están siendo explotadas en un anuncio publicitario fuera del término del artículo 74.
Para evitar litigios paralizantes y reclamaciones de regalías recurrentes, las productoras publicitarias y de entretenimiento deberán rediseñar exhaustivamente sus contratos, separando nítidamente el contrato de producción audiovisual del contrato de servicios de promoción, y delimitando de forma milimétrica los conceptos de remuneración para cumplir con las nuevas exigencias de temporalidad y soporte material. ¿Qué tanto impactará este tipo de restricciones a los ingresos de agencias de publicidad dedicadas a los impresos y también a los medios digitales, al contrario del beneficio que ahora le reportará a otros medios, siendo que ahora ya todo es digital?
El Uso Sintético en la Producción Audiovisual: El Candado del Artículo 121
El artículo 121 regula la relación contractual entre los artistas intérpretes y los productores de obras audiovisuales. Históricamente, la firma de este contrato conllevaba la presunción legal de que el productor adquiría el derecho exclusivo de fijar, reproducir y comunicar al público las actuaciones del artista para los fines propios de la explotación del audiovisual.
La reforma introduce una barrera infranqueable a esta presunción legal en favor del artista: la presunción de cesión de derechos no comprenderá bajo ninguna circunstancia la clonación o suplantación de la voz o imagen del artista realizada con sistemas de inteligencia artificial o tecnologías equivalentes.
El nuevo texto del artículo 121 establece de manera tajante:
«Cualquier clonación o suplantación de la voz o imagen realizada con sistemas de inteligencia artificial o cualquier otra tecnología que resulten en la generación de clones de sus interpretaciones o que simulen su voz de manera identificable, requerirá de un acuerdo previo y por escrito entre las partes».
Este mandato tiene implicaciones operativas profundas para los procesos de postproducción y efectos visuales (VFX). Prácticas habituales como la sustitución de diálogos (ADR) mediante el uso de herramientas sintéticas para corregir errores de dicción de un actor, el rejuvenecimiento digital (de-aging), o la creación de dobles digitales para escenas de riesgo utilizando la fisonomía del artista principal, ya no pueden ser autorizadas mediante cláusulas de cesión genéricas.
Cualquier manipulación que genere un clon identificable o simule de forma realista el timbre de voz del actor requerirá una negociación previa y lo sujeta a que tenga que ser por escrito. Ahora bien, y como menciona el dr. Eduardo de la Parra, hacen falta casos para terminar de proteger la imagen y voz, que puedan usarse con inteligencia artificial u otras tecnologías relacionadas, por ejemplo, que pasa para el caso de uso del estilo de un artista intérprete o ejecutante cuando le pides a una inteligencia artificial que haga una canción con el estilo de Shakira; por ejemplo, de hecho, esto ya es algo que sucede y un problema real frente a los artistas reales.
Excepciones Ambiguas y la Delimitación del Likeness: Parodia, Sátira e Imitación Artística
La reforma incorpora un catálogo de excepciones a la protección de la imagen y voz en los artículos 87 y 118, fracción VII. Bajo este nuevo esquema, no se considerará violación a los derechos de los intérpretes el uso de su imagen o voz sintética cuando se realice con fines de:
Parodia o sátira,
Imitación creativa,
Cuando se trate de la imagen de una persona artista intérprete o ejecutante que forme parte menor de un conjunto o la imagen sea captada en un lugar público o, con fines informativos o periodísticos, y
cuando el uso no constituya una clonación o suplantación que induzca a error al público o que tenga por objeto sustituir la prestación profesional del artista en el mercado mediante el uso de sistemas de inteligencia artificial o cualquier otra tecnología o de cualquier otra forma.
La anatomía de la excepción
El texto que citas establece que el uso de IA (o cualquier tecnología) para clonar o suplantar es ilegal solo si cumple con una de dos condiciones. Por lo tanto, si evitas esas dos condiciones, el uso es legal.
Condición 1: Que «induzca a error al público». Esto busca evitar las deepfakes maliciosas, las noticias falsas o el fraude. Si tú haces una sátira de la «maldita lisiada» donde los personajes son dinosaurios generados por IA con las voces clonadas, o el tono es evidentemente cómico, el público no está siendo engañado. Saben que es una parodia, no un video real de los actores.
Condición 2: Que «tenga por objeto sustituir la prestación profesional del artista en el mercado». Esto busca proteger el trabajo del artista. Si una marca clona la voz de un actor famoso para narrar un comercial sin pagarle, está sustituyendo su trabajo en el mercado. Pero una sátira en YouTube o TikTok no compite en el mismo mercado que la telenovela original ni le quita un papel actoral a Itatí Cantoral.
El Dilema de la «Imitación Creativa» frente al Estilo del Autor
El concepto de «imitación creativa» destaca por su alta ambigüedad jurídica y la total ausencia de precedentes legislativos o jurisprudenciales que delimiten su alcance en el territorio nacional. La ley intenta acotar esta excepción señalando que la imitación creativa no debe constituir una clonación o suplantación que induzca a error al público, ni tener por objeto directo sustituir la prestación profesional del artista en el mercado de consumo.
Sin embargo, las capacidades de la inteligencia artificial generativa rebasan esta definición restrictiva. Actualmente, es viable alimentar un modelo generativo con las obras literarias, composiciones o producciones de directores afamados (como Christopher Nolan u otros cineastas de renombre) para generar contenidos sintéticos que repliquen fielmente su estilo, estética, paleta de colores y ritmo narrativo, sin copiar de manera directa una obra previa o suplantar la voz de un actor específico.
En estos supuestos, el derecho de autor o los derechos conexos clásicos resultan insuficientes para reclamar una infracción, ya que el «estilo» o la «idea artística» no son objeto de protección monopólica bajo la teoría del copyright. Es aquí donde cobra relevancia el concepto de likeness (o derecho a la propia esencia e identidad comercial) y la interpretación que los tribunales mexicanos han dado a la imagen personal.
El Precedente de la Primera Sala de la SCJN: Ricardo Arjona contra Toyota
Para definir la frontera entre una legítima «imitación creativa» y una apropiación indebida de la esencia artística, resulta fundamental analizar la tesis jurisprudencial emanada de las sentencias de la Primera Sala de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN) en los Amparos Directos 5/2022 y 7/2022, promovidos por el cantautor Ricardo Arjona en contra de Toyota Motor Sales de México.
En esta controversia, la empresa automotriz utilizó en su campaña publicitaria «Toyotatón» a un imitador físico y vocal para simular la presencia del cantante e interpretar de forma alterada su obra musical «Jesús es verbo, no sustantivo» sin contar con su consentimiento. Al resolver el fondo del asunto, la Primera Sala determinó por unanimidad que el derecho a la propia imagen no se agota con el retrato o la fisonomía exacta del individuo, sino que se extiende a su proyección pública y a los elementos distintivos que configuran su identidad frente al colectivo social.
La SCJN razonó que el uso comercial de un imitador que copie los ademanes, indumentaria característica, gesticulación y estilo interpretativo del artista con el fin de evocar deliberadamente su presencia para inducir al público al consumo, constituye una violación directa al derecho humano a la propia imagen, obligando a reparar tanto el daño material como el daño moral.
Este precedente jurisprudencial no necesariamente delimita el alcance de la «imitación creativa» introducida por la reforma de 2026, pues cualquier desarrollo o explotación de modelos generativos de inteligencia artificial que use prompts diseñados para emular la esencia, estilo interpretativo o rasgos de identidad de un actor, locutor o músico con fines comerciales o sustitutivos incurrirá en una violación al derecho a la imagen conforme a la doctrina constitucional establecida por la SCJN, inhabilitando la defensa basada en la imitación creativa de la LFDA, sin embargo, en otro tipo de artistas esto es más complejo, pues componer una imagen al estilo de Quentin Tarantino o cualquier otro director, siempre ha sido algo que ha sucedido con directores que los suceden y en ese sentido no ha habido muchos reclamos, por lo que estas formas y ópticas también pueden ser imitadas por la inteligencia artificial de una manera más efectiva y creo que es ahí donde habría que delimitar muy bien los alcances de la excepción. .
Creadora haciendo investigación y desarrollo para la creación de una obra.
Cuando estás creando una obra —ya sea un libro, un video, un diseño o un podcast— es natural buscar inspiración en el trabajo de otros. Sin embargo, existe un riesgo constante: utilizar elementos de terceros sin saber si están protegidos por la ley.
Para crear con libertad y sin sorpresas legales, el primer paso es entender qué es exactamente una obra para el derecho de autor.
1. ¿Qué es legalmente una «obra»?
Aunque existen variaciones según la legislación de cada país, la esencia es la misma. Para ilustrarlo, dos marcos legales de referencia nos dan una definición clara:
En Perú (Decreto Legislativo 822, artículo 2° numeral 17): Se define como «toda creación intelectual personal y original, susceptible de ser divulgada o reproducida en cualquier forma conocida o por conocerse».
En México (Ley Federal del Derecho de Autor, artículo 3°): Protege las obras «de creación original susceptibles de ser divulgadas o reproducidas en cualquier forma o medio».
En resumen: para que algo sea considerado una obra, requiere creación personal, originalidad y la capacidad de divulgarse o reproducirse.
2. La regla de oro: La ley protege la forma, no la idea
Este es uno de los principios más importantes que todo creador debe grabar en su mente: el derecho de autor no protege las ideas, sino la forma en que estas se expresan.
El Glosario de la OMPI (Organización Mundial de la Propiedad Intelectual) aclara que las ideas expresadas en un trabajo no tienen que ser totalmente inéditas. Lo que debe ser original es tu forma de expresarlas. La originalidad significa simplemente que la obra es de tu propia creación y no una copia total o sustancial del trabajo de alguien más.
3. El concepto de «Fijación» (y su excepción)
Para que una obra pueda divulgarse o darse a conocer, generalmente requiere de la fijación. Esto significa plasmar la creación en un soporte material o digital (un papel, un lienzo, un archivo de audio, un disco duro) para darle un estado permanente.
Excepción importante: La fijación no siempre es un requisito indispensable para recibir protección. Por ejemplo, una representación artística o un performance en la vía pública también pueden estar protegidos por la ley, aunque no hayan sido grabados previamente. (Diccionario General de la Lengua Española)
4. ¿Qué tipo de creaciones se consideran obras?
El Convenio de Berna (Artículo 2) reconoce una amplia lista de expresiones en los campos literario, artístico y científico, sin importar su formato:
Escritos y oralidad: Libros, folletos, artículos, conferencias, alocuciones y sermones.
Artes escénicas: Obras dramáticas, dramático-musicales, coreografías y pantomimas.
Música: Composiciones musicales con o sin letra.
Artes visuales y plásticas: Pintura, dibujo, escultura, grabado, litografía, arquitectura y fotografía.
Obras audiovisuales y aplicadas: Cine, ilustraciones, mapas, planos, croquis y obras plásticas relativas a la geografía o la ciencia.
El talento no es un requisito legal
Un punto clave es que el mérito o la calidad de la obra no importan. La ley no exige que tengas años de trayectoria ni evalúa si el resultado es una «obra maestra». Si imprimiste tu forma personal de expresión en un soporte, automáticamente adquiere la categoría de obra protegida. (OMPI, Glosario de Derechos de Autor y Derechos Conexos)
Conclusión: ¿Qué debes hacer antes de publicar?
Si estás desarrollando un proyecto y planeas utilizar la forma de expresión de alguien más —ya sea un texto de internet, una imagen de un libro, un fragmento de audio o cualquier otro contenido fijado en un soporte—, estás tratando con una obra protegida.
Antes de incorporarla a tu trabajo, verifica dos cosas:
¿Se encuentra en el dominio público? Si los derechos patrimoniales han expirado, podrás usarla libremente.
Si no está en el dominio público: Deberás solicitar la autorización o licencia correspondiente al titular de los derechos antes de utilizarla.
Fundamentos citados (Bibliografía)
Convenio de Berna:
Organización Mundial de la Propiedad Intelectual. (1971). Convenio de Berna para la Protección de las Obras Literarias y Artísticas (Art. 2). WIPO Lex. https://wipolex.wipo.int/es/text/283694
Cámara de Diputados del H. Congreso de la Unión. (1996). Ley Federal del Derecho de Autor (Arts. 3, 4 y 5). Última reforma publicada en el Diario Oficial de la Federación el 1 de julio de 2020. https://www.diputados.gob.mx/LeyesBiblio/pdf/LFDA.pdf
La obra es una creación intelectual y se diferencía entre autores, porque solo las personas son únicas en su forma de expresarse, y por ende, cada quien crea según sus capacidades, talentos y manera en que nuestros sentimientos se pueden expresar hacia afuera, y es entonces, cuando dicha expresión podría considerarse una obra, si es que, además, es fijada en un soporte material.
De una manera muy sencilla, una obra es cualquier creación de tu intelecto que refleje tu forma de expresión, y que es puesto en un soporte material, como pudiera ser una hoja, una grabación de audio, un video con tu celular.
Esto es importante, pues hoy en día que cualquier contenido puede ser monetizado, quiere decir, que hoy más que nunca, nuestra forma de expresión puede ser capitalizada y ser generadora de ingresos y beneficios. Como dicen, «el Meme es de quien lo trabaja».
Si necesitas ayuda, búscame.
A work is an intellectual creation that differs between authors because only people are unique in their way of expressing themselves. Therefore, each person creates according to their capabilities, talents, and the way our feelings can be expressed outwardly. It is then, when such expression could be considered a work, provided that it is also fixed in a tangible support.
In very simple terms, a work is any creation of your intellect that reflects your form of expression and is placed on a material support, such as a sheet of paper, an audio recording, or a video taken with your phone.
This is important because nowadays any content can be monetized, which means that today more than ever, our form of expression can be capitalized and become income-generating and profitable. As they say, «the meme belongs to whoever works it.»
